Co je jedním z hlavních rysů barokního stylu?

Baroko (italsky barocco, doslova – bizarní, zvláštní), jeden z dominantních stylů v architektuře a umění Evropy a Latinské Ameriky konce 16. – poloviny 18. století. Baroko ztělesňovalo nové představy o jednotě, bezmeznosti a rozmanitosti světa, o jeho dramatické složitosti a věčné proměnlivosti; jeho estetika byla postavena na střetu člověka a světa, ideálních a smyslných principů, rozumu a iracionalismu.

Baroko pochází z Itálie, v Evropě se prosadilo v době formování národních států a bylo úzce spjato s církví a aristokratickými kruhy: barokní umění bylo navrženo tak, aby oslavovalo a propagovalo jejich moc. Baroko dalo vzniknout i vědě. Právě v této době se začala rozvíjet biologie, anatomie, fyzika, chemie a další obory.

Barokní umění se vyznačuje vznešeností, nádherou a dynamikou, patetickým nadšením, intenzitou pocitů, vášní pro velkolepou podívanou, spojením iluzorního a skutečného, ​​silnými kontrasty měřítka a rytmu, materiálů a textur, světla a stínu.

V první řadě se baroko projevilo v architektuře. Syntéza umění získala v baroku ucelený charakter: městské soubory, paláce a kostely díky bizarní plasticitě fasád, neklidné hře šerosvitu a složitým křivočarým plánům získaly malebnost a dynamiku; interiéry budov byly vyzdobeny vícebarevnou plastikou, modelováním a řezbami, zrcadla a malby iluzivně rozšiřovaly prostor a malba stínidel vytvářela efekt otevřených kleneb. V malbě nabyla na významu emocionální, rytmická a koloristická jednota celku, neomezená svoboda tahů štětce, obrazová plynulost formy, smysl pro proměnlivost obrazu.

Baroko dalo světu vynikající spisovatele (T. Tasso, P. Calderon), umělce (Caravaggio, Correggio, P. Rubens, A. van Dyck), architekty (L. Bernini, F. Barromini), hudebníky (A. Vivaldi , I. S. Bach, G. Händel).

2
Michelangelo Merisi da Caravaggio. Mladý muž s loutnou (hráč na loutnu)
Datum vytvoření: 1595-1596, olej na plátně.
Rozměr plátna: 100 × 126,5 cm

Místo stálé expozice: Ermitáž (Petrohrad)

Caravaggiov obraz „Hráč na loutnu“ nebo „Mladý muž s loutnou“ je pozoruhodným exponátem Ermitáže. „Lute Player“ je jedním z prvních umělcových děl. Byl vytvořen v letech 1595-1596 na příkaz vysokého patrona Caravaggia, kardinála Francesca Maria Borbone del Monte. Existuje předpoklad, že loutnista je pár pro obraz „Chlapci hrají hudbu“. Na toto téma jsou celkem tři obrazy. První je uložen v Ermitáži, Petrohrad (Olej na plátně. 94 × 119 cm). Byl to obraz Ermitáž, který byl dlouhou dobu považován za jediný ze tří, který Caravaggio uznal.

Druhý obraz je v New Yorku v Metropolitním muzeu umění (100 × 126,5 cm). Poté, co Del Monte obraz prodal jednomu ze sběratelů, požádal umělce, aby vytvořil další dílo. Druhý obraz, který byl namalován pro stejného kardinála, byl mírně pozměněn. Zde odstranil sklenici s květinami, přidal flétnu, spinet a klec se stehlíkem.

Třetí obraz se nachází v Anglii, na panství Badmintonový dům (96 × 121 cm). Je to kopie obrazu, který visí v Ermitáži, ale s vlastními jemnostmi. Je o něco větší než obraz v Ermitáži, je světlejší a karafa s vodou odráží detaily interiéru.

Ve verzi „Hermitage“ a malbě z Badminton House jsou na otevřené stránce partitury snadno čitelné tóny basové linky madrigalu Jacoba Arkadelta. Voi sapete ch’io vi amo („Víš, že tě miluji“). Napsáno na jiném sešitě Gallus – jméno jednoho z Caravaggiových přátel, milánského hudebníka. Na obraze ze sbírky Wildenstein (umístěném v Metropolitním muzeu umění) je zápisník otevřen notovým záznamům madrigalů od italského skladatele Francesca de Lajole na slova Petrarky: Laisse le voile и Pourquoi ne vous donnez-vous pas? Yajeta de Berchema. Výběr převážně hudby francouzských a vlámských skladatelů je považován za symbolický – Francesco del Monte zastupoval u papežského dvora Toskánské vévodství, spojence Francie a nepřítele Španělska.

Loutna reprodukuje archaický příklad nástroje z první poloviny 16. století a křížový ornament na hmatníku houslí je iniciálou jména Krista v řecké transkripci (Χρίστος), které se často vyskytuje na nástroje cremonských řemeslníků.

Vědci nemohou jasně klasifikovat žánr „Lutna“. Jedná se jak o „malbu harmonie“, inspirovanou vyspělostí umění drnkacích na struny, a smutkem nad pomíjivostí života (zvuk loutny, jakmile se objeví, okamžitě zmizí), tak „omluvu Krista “: v tajemné kytici vlevo dole na plátně jsou květiny vybrány v souladu s jejich symbolickým významem přijatým v tehdejším umění pro kryptogram (z řeckého „tajného psaní“) pozemského života Ježíše .

Květiny, ovoce a nádoba jsou symboly Boha: je zároveň barvou, plodem vesmíru a nádobou pravdy. Plná tajného významu, toto je nejzajímavější část plátna. V době Caravaggia se móda šifer rozšířila. Vycházely speciální knihy se sáhodlouhým výkladem všech druhů symbolů. Je známo, že je používal Caravaggio. Každá položka měla několik významů najednou, což dále rozšiřovalo sémantický prostor kompozice.

Obraz „Loutnař“ obsahuje tyto květiny:

• Iris – symbolizuje zjevení Krista přinášejícího mír na zemi. Jelikož je tento symbol spojován s příchodem Boha na svět, byla kosatec vnímán také jako květ Panny Marie a někdy byl ve scéně Zvěstování zobrazován místo lilie.
• Růže – symbol utrpení a krve Ježíše. Existují obrazy, na kterých je Kristova koruna představena v podobě koruny růží. Tato květina je často spojována s Pannou Marií, ta však drží růži bez trnů
• Jasmin – symbol lásky a odpuštění. Bílá barva nám připomíná Ježíšovu čistotu a integritu.
• Kopretina – symbolizuje dětství Krista: Madonna, která chtěla dát Ježíškovi v zimě květinu, nic nenašla a sama si ji vyrobila z bílého hedvábí – ukázalo se, že je to sedmikráska
• Rosehip – jeden ze symbolů Ježíšovy trnové koruny. Jeho červené plody jsou spojeny s kapkami Kristovy krve, které stékaly z jeho čela během cesty na Kalvárii

• oranžový – symbol věčné spravedlnosti Páně. Sdružení vzniklo proto, že z tohoto stromu neopadává listí. Pomeranč také představuje symbol míru a může být držen v Ježíšových rukou. Bílé oranžové květy jsou zároveň spojeny s čistotou a proto tradičně zdobí Pannu Marii nebo nevěstin věnec. Oranžové ovoce bylo také vnímáno jako symbol nebeského života
• Fík (fíkovník) – symbol muky kříže a vzkříšení, tedy Božího milosrdenství vůči lidem. V Lukášově evangeliu je podobenství. Jeden muž měl na vinici fíkovník, ale nebylo na něm žádné ovoce a majitel ho chtěl pokácet. Vinař však navrhl počkat ještě rok: pokud ani po roce fíkovník neplodí, pak by se měl pokácet. Pán také odkládá období soudu pro pozemský svět v naději na nápravu lidí
• Švestka – byl považován za symbol věrnosti, ale nabýval dalších významů v závislosti na barvě. Tmavě fialová švestka znamená utrpení a smrt Krista, žlutá švestka představuje Ježíšovu čistotu a červená představuje jeho milosrdenství. White mluví o své pokoře
• Hruška – svou jemností a sladkostí je přirovnávána k jemnosti a lásce Boží ke světu.

Badatelé umělcova umění říkají s vysokou mírou sebevědomí, že v tomto obraze Caravaggio poprvé uplatnil svůj vlastní, později charakteristický rys malby – kontrastní šerosvit, slavné tenebroso (ze španělštiny „temný, ponurý“), kdy jsou postavy a předměty vytrženy z naprosté tmy matným paprskem a objeví se téměř hmatatelný objem a emoce získávají dramatický nádech. Tento divadelní efekt by se stal velmi populárním v době baroka. A tuto techniku ​​využijí i jeho následovníci.

Caravaggio pečlivě studoval přírodu a pochopil účinek vzájemného ovlivňování osvětlených objektů. Na obraze Ermitáž tak přenesl reflex dopadající na mladíkovu tvář z jeho jasně osvětleného ramene; učinil stín na zadní straně loutny světlým a průhledným, když na něj dopadají odrazy bílých stránek notové knihy.

Mladík ladí loutnu a je zcela pohlcen plynoucími zvuky, o čemž svědčí záklon hlavy, pootevřená ústa a výraz očí, nepřítomně hledících za diváka. To vše je napsáno tak jemně, tak mistrně, že se zdá, jako by zvuk nástroje slyšel sám divák.

Podle umělcova životopisce Giovanniho Belloriho považoval Caravaggio tento obraz za své nejlepší dílo.

3
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610) – italský malíř, jeden z největších představitelů barokního stylu, se narodil 28. září 1573 v italské vesnici Caravaggio. Jeho otec byl majordomem a architektem markýze Caravaggia. Až do počátku 1590. let 1593. století studoval Michelangelo da Caravaggio u milánského umělce Simone Peterzana a kolem roku XNUMX odešel do Říma.

Zpočátku byl jeho život v Římě těžký, pracoval jako námezdní dělník. Po nějaké době se ho ale jako asistenta ujal módní malíř Cesari d’Arpino, v jehož dílně Caravaggio maloval zátiší na mistrovy monumentální obrazy. Bylo to krátké období práce s Cesari, protože. Caravaggio byl hospitalizován kvůli silné ráně od koně. Když se uzdravil, rozhodl se pracovat samostatně.

„Košík s ovocem“

V roce 1595 našel Caravaggio vlivného mecenáše v kardinálu Francescu Marii del Monte, který ho uvedl do uměleckého prostředí Říma. Del Monte se vyznačoval svými rozmanitými zájmy, byl přítelem Galilea a dobře znal hudbu, divadlo a malbu. Umělec pro něj namaloval některé ze svých nejlepších obrazů – „Košík s ovocem“, „Bacchus“ a „Hráč na loutnu“.

Na konci 1590. let XNUMX. století vytvořil umělec díla jako „Koncert“, „Věštkyně“. Tím, že se poprvé obrátil k „čistému“ zátiší a „dobrodružnému“ žánru, otevírá nové možnosti malby, které se budou dále rozvíjet mezi jeho následovníky.

Caravaggiova postava se vyznačovala tvrdostí a nespoutaným temperamentem, který ho zatahoval do hlučných hádek končících souboji, za což byl opakovaně vězněn. Často byl obklopen gamblery, podvodníky, rváče a dobrodruhy.

„Povolání apoštola Matouše“

Na přelomu 1597.-XNUMX. století vytvořil Caravaggio dva cykly obrazů podle výjevů ze života apoštolů. Pod patronací kardinála del Monte získal v roce XNUMX zakázku na kapli Contarelli v kostele San Luigi dei Francesi v Římě, kde namaloval tři obrazy věnované apoštolu Matoušovi. Z nich se dochovaly pouze dvě – „Povolání apoštola Matouše“ a „Umučení apoštola Matouše“ (1599-1600). Pro kapli Cerasi v Římě dokončil Caravaggio dvě skladby – „Obrácení Saula“ a „Ukřižování apoštola Petra“. Později pokračoval v práci pro jiné církve.

Řada odvážných dovádění provázela život umělce, až v roce 1606 skončila vraždou mladého muže v hádce při hře s míčem a Caravaggio uprchl z Říma do Neapole, odkud se v roce 1607 přestěhoval na ostrov Malta, kde byl přijat do Maltézského řádu. Po hádce s vysoce postaveným členem řádu byl však uvězněn, odkud uprchl na Sicílii a poté do jižní Itálie, kde v Neapoli čekal na milost.

„David s hlavou Goliáše“

Při svých toulkách umělec vytvořil řadu vynikajících děl náboženské malby. V Neapoli namaloval velké oltářní obrazy „Sedm skutků milosrdenství“ (kostel Pio Monte della Misaricordia), „Madona z růžence“ a „Bičování Krista“. Na Maltě vytvořil pro kostel San Domenico Maggiore obrazy „Stětí Jana Křtitele“ a „Svatý Jeroným“, na Sicílii „Pohřeb sv. Lucie“ pro kostel sv. Lucie, „Vzkříšení sv. Lazara“ pro janovského obchodníka Lazzariho a „Klanění pastýřů“ pro kostel Santa Maria degli Angeli. Mezi poslední Caravaggiova díla patří i obraz „David s hlavou Goliáše“ ve kterém hlava Goliáše údajně představuje autoportrét umělce.

V roce 1610, po obdržení milosti od kardinála Gonzagy, umělec naložil své věci na loď s úmyslem vrátit se do Říma, ale nikdy nedosáhl svého cíle. Na břehu byl omylem zatčen španělskými strážemi a zadržen, ale brzy byl propuštěn. 18. července 1610 zemřel Caravaggio na malárii v italském městě Porto Ercole ve věku 37 let.

Kreativita Caravaggia měl významný vliv nejen na mnoho italských umělců 17. století, ale i na přední západoevropské mistry – Petera Paula Rubense, Diega Velazqueze, José de Riberu, a také dal vzniknout novému směru v umění – karavaggismus.

Dílo Caravaggia, který nepatřil k žádné konkrétní umělecké škole, vzniklo jako opozice vůči dominantním trendům italského umění konce 1608. a počátku XNUMX. století. (manýrismus a akademismus). Caravaggiovy obrazy se vyznačují lakonismem a jednoduchostí kompozice, energickým plastickým modelováním. Caravaggiov malířský styl je založen na silných kontrastech světla a stínu, expresivní jednoduchosti gest a bohatých barvách, které vytvářejí emocionální napětí a dramatický efekt. Jednoduchost obrazů a odvážné prosazování demokratických uměleckých ideálů staví umělce do opozice vůči současnému umění. Caravaggio se ve své pozdní tvorbě obrací k tématu osamělosti člověka ve světě jemu nepřátelském, přitahuje ho obraz malého společenství lidí spojených rodinnou blízkostí a duchovní vřelostí („Pohřeb sv. Lucie“, XNUMX; ). Světlo v Caravaggiových obrazech se stává měkkým a pohyblivým, barevnost směřuje k tónové jednotě a malířský styl nabývá rysů volné improvizace.